Crossing borders 014: Adida Fallen Angel



Home. Such an interesting concept.

In its most common sense the word is defined as “a place where one lives; a residence.” It can also mean “a dwelling place together with the family or social unit that occupies it,” “the place, such as a country or town, where one was born or has lived for a long period,” a headquarters, or even the landing page of a website. But what is home really, when you’re on the road and away from friends, family, security, that so-called physical structure?

“Be it ever so humble, it’s more than just a place. It’s also an idea — one where the heart is,” says Verlyn Klinkenborg, in the article “The Definition of Home” published in Smithsonian Magazine almost four years ago. For me, growing up was all about going to school and doing sports, only to then be at home. Until the age of ten, I was the kind of kid who moved too often to ever feel at home anywhere. Of course, as a child, you don’t understand this concept, you don’t see it as it is. You just sort of feel lonely and lost, without any sense of attachment to a city or friends. As Verlyn Klinkenborg, again, explains in the Smithsonian Magazine article, “our psychological habitat is shaped by what you might call the magnetic property of home, the way it aligns everything around us.” The article demonstrates that with the example of how you might come back from a trip, and upon seeing your house, experience the illusion that it’s just like every other house on a street that’s full of them. Once the illusion wears off, that house becomes your home again. For me, a house was never that. Sure I have great memories from the many different houses I’ve lived in, but I have never called them home per se. Which is why at 14 years old and coming back from a trip to Cuba, I felt distressed finding myself wanting to stay abroad. The story repeated itself on each and every adventure from then on. Except now at 25 years old, a month and a half into my Working Holiday Visa in Ireland, I realize that all these years, I’ve fooled myself into thinking I would feel home anywhere else than in Montreal. That I only had to travel and find the city that could bring peace to my troubled state of mind. Funny how really, all I needed was to feel home in my own body and mind. When it comes down to it, what else have you got but you and your thoughts after stripping yourself from the life you had? You, you, you, oh and you again. Technology has made it possible to stay in contact with family and friends —thank god!— but you can’t hangout, they’re there more in support, like beams to your true home.

For this edition of Crossing Borders, meet my good friend and talented artist Adida Fallen Angel: an open-hearted long-time traveller who has also redefined the word home throughout his journey, now finding peace wherever he may be or go.


[Fresh Paint Gallery]: About 17 years ago, you decided you were going to follow your dreams by travelling the world, painting and making music. I reckon that’s been quite the journey. Can you tell me about the context you grew up in? How was life growing up in Tel Aviv and why did you feel you had to get out?
[Adida Fallen Angel]: [A.F.A.]: Growing up in Tel Aviv has been always a wild ride for me. I have a love and hate relationship with that city: it fuels me with energy, it has a non-stop action vibe which can make you feel great and alive, but at the same time it drives me mad at times and you can get lost and lonely. The beach, the food, the different changing scenes and the nightlife are always in your system and the need to do something impressive and fresh is constant. It is a small and loud very busy town, yet has a feeling of a massive growing city. It is constantly expanding and buildings are reaching higher tops every year. At some point when I was younger, I felt I needed to see and feel more. I needed to expand my horizons, explore and be alone to see what the world had to show me so I could truly find myself. In Tel Aviv I am too busy to even focus on one clean clear thought, so the decision to get out saved my mind and shaped who I am today.


[F.P.]: Having travelled around the world —Brazil, New York City, San Diego, Rotterdam, Berlin, Paris, Montreal— how do you see your art come into play throughout your trips?
[A.F.A.]: As I moved around the world, my skills constantly matured, but going to most of those places wasn’t as much about painting as travelling is for me today. When I was in the USA, I didn’t even draw. I doodled here and there, but nothing serious. In Europe, I started to get into the arts more and it really kicked off in Rotterdam. Again, it was mainly digital art and explorations. Montreal more than any other city has pushed me into classic arts and installations and I owe Tel Aviv for being my street art and large scale murals’ birthplace. Now, whether it’s painting, street art or photography, they are all deep in my veins and I am looking forward to travelling more and improving my skills.


[F.P.]: What is the story behind your artist name?
[A.F.A.]: To be honest, I don’t even remember when or how it started, but I know I’ve always had a passion and curiosity for the concept of angels. I believe at some point on my spiritual path, I decided that I was a ‘fallen angel’ who got kicked out of heaven for doing something evil and now I have to earn my wings back by doing good. For some odd reason, that idea made sense to me and it made me very conscious about my thoughts, feelings and actions. It made me focus on the good and forced me —with love— to create a character that strives to serve the people good vibes and positive art. It also leaves my personal life intact; Adi Khavous is a just a regular guy and Adida Fallen Angel is an artist fighting the good fight.


[F.P.]: You’ve told me about the city’s activities and fast-paced life. Now, Tel Aviv’s nickname is “The City That Never Sleeps.” Do you feel like it is an accurate description?
[A.F.A.]: That is absolutely true! It is one of the many things I love about the city. At any time, day or night, you can go out, find life, great food, friends, skate spots, parties and so on. Tel Aviv is designed for hard-working people who also love to party and enjoy their hard-earned cash. It is not an easy city, but it’s definitely a bubble of madness and joy constantly reinventing itself, staying fresh and old both at once. I really recommend that people see it for themselves once in their lives.


[F.P.]: Correct me if I’m wrong, but isn’t the street art and graffiti scene quite young in the city? Given the current political and socio-economic context, how welcomed and appreciated is street art?
[A.F.A.]: Street art is not new in Tel Aviv, but it has only been getting more hype, respect and heat for the past few years. In fact, for many years, graffiti and street art in the city was hidden, mostly lame and very political. There wasn’t any place to buy gear —i.e., spray paint, paint markers, etc.— so the styles were poor. Then, people slowly started to travel more and get connected [to the Internet]. Social media and street art both started to shape themselves, shops started to sell paint and gear and artists started to explore mediums outside their homes. Graffiti and street art is now very much alive in Tel Aviv, but it is still in its baby stages. The way I see it, new communities are forming, more people are slowly reached by pieces, you see them taking pictures and tagging the artists. There is also a better documentation and now there are even some businesses and street owners that open their hearts and walls for upcoming artists to paint on them. It is still in progress, and far from a European or American scale, but it is a beautiful day for street artists in Tel Aviv as they can finally earn a little living and get a name for themselves. We will see how this progresses in the upcoming year, but I am very happy with the growing opportunity I get here.


[F.P.]: A lot of Tel Aviv’s street art is very colourful and has to do with spreading hope messages or showing people the importance of the power of doing. Your work is also very tainted with emotion and messages to the world. Do you believe these themes and colour palettes could have something to do with the socio-political context in the Middle East? Why?
[A.F.A.]: In a way, yes, my art does have something to do with the so-called situation I don’t live there anymore though, so I think of myself as a global citizen whose art reflects the feeling I have about the world around me. I project my emotions and messages wherever I go. I feel the need for love and positive art is growing, within and around me, and so I try to project that vibe on the walls I paint, hoping it brings to the passerby a smile and a deep thought about life.


[F.P.]: You were in Montreal for a while until last summer/fall when you went back to Israel. How does it make you feel to be in your birth country? After 20 years of travelling, do you still feel like it is home?
[A.F.A.]: At times I do, at others I don’t. It does feel like some kind of home, but I have long forgotten that concept. I feel that home is wherever I sleep at night or wherever I feel whole and alive. Because I moved so many times, I have learned to appreciate that feeling and invoke it to feel less lonely— or lost. Of course, every time I land in Israel, I get a buzz, a feel for the place that was once the only one I knew … That buzz fades very quickly though and that’s fine because it lets me enjoy Israel as a tourist, with the plus of still calling it home when I need to.


[F.P.]: Your most recent project is called “The Love Concept” art installation and is an attempt at finding a deeper meaning to the word love. How did this project come along and what is your favorite thing about it?
[A.F.A.]: The Love Concept project started in Montreal at the Fresh Paint Gallery where I did an intensive installation using wheatpaste, typography and spray paint. Originally, I had no idea how far it would go, but it felt like the subject needed more exploration. When I arrived in Israel with my girlfriend —who is also my co-pilot on the matter— I found myself going back into that subject and before I knew it we were making large-scale murals using the same creative process. I slowly realized how big of an iceberg I had been sitting on for some time. It keeps growing every time we do a new piece, as I am still doing research on the subject. I am currently fascinated with the LOVE idea. What is it? Is it just a word? Is it so cheesy that people now hate it or is it a force of nature that can shape and move societies? Uplift the human kind? Who really knows? All I know is that I want to explore it more and see where it takes me.
Making my art pieces and seeing them come to life is definitely one of my favorite parts of the process, but what I truly like most is seeing how people react to them. When they take extra time to imbibe the art and see the depth of it, they are always stunned by it. Some people get it, some people pass by without even lifting their eyes, some people take pictures and some people come and ask questions and show interest and admiration. I love it all.


[F.P.]: If a genie could grant everyone a single wish, what would yours be?
[A.F.A.]: I would love to travel the world while painting large scale pieces of love and beauty and singing positive powerful songs. It’s as simple as that.


[F.P.]: In what part of the world can we expect to see new art from you next?
[A.F.A.]: I will be back in Montreal this summer and I hope I can drop some more large scale Love pieces, hopefully expanding to other cities in Canada and maybe going down to the States. We’ll see where Love takes us.



© Photos courtesy of Adida Fallen Angel, Ana V, Irit Sapojnik, Irit Bithan, Mati Ale & Sand Gold.

Adida Fallen Angel | Website | FB | IG

Born and raised in the grungy streets of Israel, Adida Fallen Angel is an all around the globe visual artist mastering the arts of visual media, filming, photography, V.Jing and curating art shows. He mixes anarchy with spirituality, leaving walls with crisp art and love messages. An important part of his formal art education consists in studying Multimedia Producing at the SAE College in The Netherlands and working with the MAMA Gallery. He has shown a soft spot for Montreal, Canada, is currently back in his birth country, Israel, where he is working on a project called “The Love Concept” art installation.

¡A MANO! : la passion du lettrage à la main

Quand en 2013 se sont rencontrés le design graphique et la peinture, le collectif artistique A MANO est né.
Composé d’Ileana Hernández et de Michael Jachner, le duo est uni par la passion du lettrage à la main, qu’il souhaite authentique, unique et populaire. “No tape & No stencil” est leur devise.
Malgré l’abondance du numérique, A MANO perpétue le métier du lettreur traditionnel. À l’encontre de l’uniformité et de la conformité du visuel, ils œuvrent dans le but de faire prévaloir l’aspect humain de l’art du lettrage face aux lettres de vinyle découpées à la chaine par des machines, dans notre société toujours en quête de perfection.
De Montréal au Mexique, avec patience et minutie, le collectif pose son empreinte, pinceau à la main.


Fresh Paint : Bonjour Ileana et Michael, comment est né le collectif A MANO ? Quelles sont vos sources d’inspiration ?
A MANO – Durant un voyage en Argentine, Bolivie et Mexique, on a vu que tout est fait à la main. Notre inspiration provient des lettres de style victorien en Argentine, pleines de motifs, de couleurs et de reflets de lumière, du style un peu naïf, aussi de l’humoir noir mexicain des Taquerias.
On puise notre inspiration dans la culture des Sonideros au Mexique et de la Chicha au Pérou. Inspiré par la culture latino-américaine, on s’intéresse notamment à ce qui se fait en Inde et en Thaïlande.
On met beaucoup d’effort et d’amour dans notre travail, on peint chaque lettre à main levée “no tape & no stencil”. Le lettrage traditionnel est notre passion, d’où notre citation “Always hecho avec amor”, qui de plus regroupe nos trois langues parlées.


FP : Quel est votre médium de prédilection ? Et sur quels types de surfaces réalisez-vous vos créations ?
A MANO – Nos médiums : la peinture à l’huile (celle utilisée pour le sign painting sèche plus vite), la peinture fluorescente, parfois la sérigraphie.
On travaille sur la vitre, le bois, le papier, des tasses en métal, le tissu, les murs, des textures.
Puis, on crée aussi des affiches avec hologramme. Au Mexique, il y a beaucoup d’emballages cadeaux au motif hologramme. C’est un rappel de l’enfance. On aime ses couleurs et ses reflets métalliques alors on a décidé de s’en inspirer à Montréal.

FP : Pouvez-vous me parler de votre démarche artistique ?
Les métiers du lettrage à la main sont menacés par le vinyle, ces lettres collées sur les vitres, imprimées digitalement et coupées par des machines. Nous, on continue le lettrage traditionnel car le “fait main” a un coté humain, c’est une trace de l’artiste qui le fait, chaque lettre peinte est unique. Le lettrage à la main est l’antithèse du digital, il fait appel à la patience et perpétue les traditions.
Pour cette raison, l’un de nos slogans est “Fuck vinyl” car dans la société dans laquelle on vit, on veut que tout soit parfait, il y a une conformité et une uniformité du visuel, alors on voulait reprendre l’héritage d’avant. Le lettreur est l’un des plus anciens métiers au monde, qui se perd mais depuis quelques années, il commence à réapparaitre.

FP : Lorsque vous peignez sur des vitrines de cafés, restaurants, épiceries fines, magasins, quelle a été votre approche au préalable ?
Quand on marche dans la rue et qu’on voit un commerce qui n’a pas d’enseigne, on demande s’il serait intéressé. On lui explique les avantages du lettrage fait à la main, il ne jaunit pas au soleil et dure au moins 50 ans. Il est arrivé qu’on soit contactés par une personne qui a vu notre portfolio en ligne ou par le biais de connaissances.

cafe M by A Mano

FP : Et, de quelle façon, exprimez-vous votre art à travers la calligraphie ?

A MANO – Lorsqu’il s’agit de commissions, on met notre touche tout en respectant la demande du client. Tout dépend de la vision que le client souhaite exprimer, les valeurs de la place, le type de projet. On suggère des typographies. Quand, ce sont des créations personnelles, on aime créer avec de la typographie en 3D déformée, des couleurs fluo sur fond noir, de l’hologramme.

FP : Vous avez réalisé quelques murales, n’est-ce pas ? Qu’est-ce que cela vous apporte de différent, étant donné qu’il s’agit d’une surface sur laquelle vous avez moins eu l’occasion de créer ?
Michael (A MANO) – Oui, Ileana du collectif en a faites 5 dont 4 au Mexique et 1 à Montréal.
Ileana (A MANO) – Au Mexique, j’ai créé des murales dans un jardin d’enfant, un bar, un restaurant préhispanique et dans un marché. Puis, également à Montréal, j’en ai fait une, dans le cadre de l’événement El dia de los muertos, pendant lequel il y avait un concert folklorique de Los Vieja au théâtre de l’Uqam.
Je pense qu’un mur, tout le monde peut le voir, alors qu’une installation, il n’y a que moi qui puisse la voir et les personnes qui assistent à cet événement. Le mur est une surface plus accessible. De même que le lettrage à la main sur les vitrines, que tous les passants peuvent voir.

FP : De beaux projets pour 2016 ?
A MANO – Oui, deux collaborations : l’une avec Disamare dans le cadre d’un projet de casques de vélo (design, illustration), la seconde afin de concevoir une édition spéciale et limitée de tabourets. Côté perso, il y aura le lancement de tasses de métal Peltre, on va peindre sur les tasses des messages avec une touche d’humour noir.  Et puis aussi, on va faire le lettrage à la main d’enseignes pour restaurants et celle d’un studio argentique.

A Mano | FB | IG | TUMBLR

Polar, tour du monde en Technicolor.

Sur la route de Polar, il y a des rencontres, des couleurs et des surfaces en tout genre… Ce street-artiste franco-américain, padawan du grand MIST, envisage sa planète dans toute sa diversité et sa richesse. Après avoir quitté son Montpellier natal il y a un an, il arpente les routes d’ici et d’ailleurs comme un terrain vierge propice à l’expérimentation et au développement artistique. Après avoir enfanté d’audacieux et espiègles personnages nommés « Bojos », il flirte à présent avec les formes et les lignes d’une abstraction étonnante mais n’en oublie pas moins de représenter des images figuratives défiant les lois d’un réalisme quasi-photographique. Entre les plages de Colombie, la pointe extrême sud du monde – Ushuaïa – ou même la multiplicité des paysages néo-zélandais, il a choisi de s’intégrer dans les vies des habitants de chaque endroit qu’il visite… Mais alors Polar, quand va-t-on croiser ton travail sur les murales montréalaises ?

Polar3Argentine, Ushuaia.

Fresh Paint: Présentes-toi, et parles-moi de ce qui t’a amené à devenir un artiste graffiti.

Polar : Je suis un artiste français de 28 ans, originaire de Montpellier. Passionné de peinture, j’ai commencé à peindre sur les murs de ma ville à l’âge 13 ans. Tout comme beaucoup de pré-adolescents je recherchais la confrontation et l’adrénaline, j’ai donc fini par troquer mes feuilles de papier et mes crayons contre des bombes de peintures et des murs.

Au début, j’en venais même à vendre mes collections de BD et mes CDs à un frauduleux marchand afin de pouvoir m’acheter mes bombes de peintures. On était toute une bande de copains à peindre toutes les semaines sur les murs de la ville, c’est à ce moment là que l’addiction commença.

FP: Peux-tu me dire quel genre d’artiste tu es ? 

P : Il m’est difficile de m’attribuer un genre, mes inspirations sont diverses. Ce que je peux dire c’est que ma peinture évolue constamment au gré des rencontres et de mes voyages. Je ne suis pas uniquement influencé par d’autres artistes, l’architecture et la nature constituent une influence majeure dans mes compositions.
Je me considère comme un artiste urbain qui partage une esthétique abstraite, les interprétations de mes œuvres sont diverses et multiples, une clé peut ouvrir plusieurs portes.

Nouvelle-Zélande, Wellington.

FP: Comment qualifierais-tu de ton Art auprès d’un néophyte ?

P : Les regardeurs sont seuls maîtres de leur interprétation, les gens n’ont pas besoin de s’y connaître en art pour apprécier le mien. Je pense que c’est un des éléments essentiels de l’art urbain : un art vu par le peuple et pour le peuple.

Lorsque je réalise une œuvre, je partage une histoire qui m’est propre mais je ne souhaite à aucun moment diriger la vision des gens, les interprétations sont libres et infinies.

FP: Pour les gens qui te suivent depuis le début, on peut noter une réelle évolution dans ton art. Qu’est ce qui t’a amené à ce changement ?

P : A un moment donné dans mon parcours artistique je me suis senti bloqué, pris dans une routine. Les gens attendaient toujours la même chose de moi. J‘avais besoin de sortir de là, j’ai donc décidé de prendre un chemin opposé, privilégiant un travail d’atelier au travail de rue, afin de revenir avec un nouvelle approche, plus riche et plus variée. Cette stagnation artistique a aussi beaucoup alimentée mon envie de départ, de découverte et d’enrichissement culturel. L’on pourrait associer mon voyage actuel à une forme de retraite artistique.

polarBolivieBolivie, Sucre.

FP: Est-ce que tu choisis les endroits où tu voyages en fonction du potentiel créatif qu’il y a là bas ? Ou est-ce une fois sur place que tu te sens inspiré et que tu produis ?

P : J’ai pour habitude de choisir les endroits ou je voyage en fonction de la culture du pays et aussi possibilités qui peuvent s’ouvrir à moi une fois sur place.La plupart du temps je trouve des contacts une fois sur place et ensuite l’improvisation créé sa part d’aventure.
Il m’est difficile de produire au préalable car j’aime avant tout prendre en compte le milieu qui m’entoure. Chaque peinture se doit d’être en accord avec son environnement.

FP: Depuis que tu es parti, racontes moi la journée typique de Polar.

P : Il n’y a pas de journée typique, depuis que je suis en Nouvelle Zélande, la vie coûte cher donc il me faut travailler pour pouvoir continuer ma route, je ne voyage pas seul donc il me faut aussi faire des concessions.
Je pense à mon art quotidiennement, je dessine beaucoup et prends beaucoup de photos qui feront partie d’une base de données et alimenteront mes prochaines peintures. Je suis en constante recherche, l’on pourrait dire qu’une journée typique de Polar est constituée essentiellement de recherches de formes, de matières et d’harmonie.

Polar6colombieColombie, Cartagena.

FP: A quelle fréquence changes-tu de pays ? Quel périple as-tu déjà fait ?

P : J’ai débuté mon voyage en Amérique du sud, où j’ai passé environ 3 semaines à 1 mois et demi par pays, selon l’importance que j’y ai accordé. J’ai commencé par l’Argentine (Buenos Aires) et j’ai fini au Costa Rica (San José) le tout essentiellement en bus.
A présent je suis en Nouvelle Zélande depuis 5 mois et je pars bientôt pour l’Australie, où je compte y rester au moins 1 an, pour la suite, nous verrons au moment voulu.


FP:Jusqu’à présent, quel pays a été le plus prolifique pour créer ?

P : Je pense que L’Argentine a été le pays le plus prolifique en terme de nombres d’œuvres et de diversité des supports, parallèlement à la ville de Valparaiso au Chili, où l’ art urbain à une grande importance dans l’histoire de la ville.
Cependant les plus beaux projets réalisés ont été en Colombie, un pays pour lequel j’éprouve une affection particulière.

PolarOuarzazatMaroc, Ouarzazate.

FP: Ton but ultime serait de laisser une trace dans tous les pays où tu vas ?

P : Ce n’est pas mon but ultime, mais cela me paraît important de laisser une marque de mon passage dans les pays que je traverse. Je pense que c’est avant tout l’idéal de chaque artiste qui utilise les murs des villes comme moyen d’expression.


FP :Quelles sont les différences d’un pays à un autre en terme de Graffiti ?

P : Le style, les formes, les couleurs, même si de nos jours je ne vois plus trop de différences. Avec internet et la mondialisation maintenant ont porte tous les mêmes chaussures, on veut tous les mêmes téléphones et on fait tous plus ou moins les même graffitis.
Je trouve que les différences de graffiti d’un pays à un autre se distinguent de moins en moins.

Polar7NEWZNouvelle-Zélande, Wellington.

FP: Enfant, tu t’imaginais comment ? Et dans dix ans ?

P : Enfant je m’imaginais archéologue et dans dix ans, je ne m’imagine pas encore, parlons plutôt du présent et nous envisagerons le futur plus tard, laissons place au hasard de la vie.


FP: Quels sont tes projets à venir ?

P : J’ai un projet mi-Mars commissionné par la ville de Wellington. Je vais intervenir sur les murs d’un parc en collaboration avec une artiste locale qui réalise des fresques murales en mosaïque. Elle a notamment beaucoup travaillé en Amérique du Sud et tout particulièrement dans des favelas au Brésil. Le but est d’associer nos deux univers sur les murs du jardin public afin de lui redonner une nouvelle image plus contemporaine et chaleureuse.

Ensuite, je pars pour l’Australie où je l’espère de nouveaux projets m’attendent.

Polar1Maroc, Marrakech.

FP: Un mot pour les montréalais ?

P : Depuis le début Montréal fait parti de mon voyage. Ma route sur le continent américain n’est pas fini, donc j’ai envie de vous dire à bientôt sur un mur, dans un bar et sous le soleil j’espère!


Chili, Valparaiso.

Crossing borders 013: Olivier Hölzl


“Where do you see yourself 15 years from now?”

I imagine young Olivier applying for a higher education course. Much like every living soul on this planet, he must not have known what would, career wise, forever bring him happiness. He’s not to blame; there is so much to choose from nowadays and career changes aren’t unusual in any ways. Walt Disney was a newspaper editor before he got fired for supposedly “lacking imagination and good ideas”. Sting, before becoming The Police’s famous frontman, was Mr. Sumner, an English teacher and soccer coach. Comedian and TV host Ellen Degeneres, named Showtims’s Funniest Person in America in 1982, was originally a paralegal and “oyster shucker”. Stories like these, they pile up, but we tend to only hear about the big ones, the ones that get full online, tv and radio coverage.

In Vienna we find Olivier Hölzl, with almost a decade worth of background in marketing and sales, now putting up work amongst the cleanliness of the city and the most impressive architecture. Immersed in such a rich urban life, he finds himself inspired by his surroundings and the daily news, but also by the internet’s massive information. Vienna —”city of the Habsburgs and Freud”— is often recalled as an intellectual city, in which arts and culture come from a long tradition. Although now in 2016, opera and contemporary art aren’t the only most-talked-about forms of art. As a matter of fact, between the architectural heritage, the wide avenues and the sidewalk cafes, one can easily find a nice graffiti piece. But Austria’s graffiti and street art go beyond spray paint; artists will opt for stencils, posters, stickers, sculpture, video projections, installations and all kinds of innovative technique to better put out their political or social messages to a generally broader audience.

Many thanks to Olivier Hölzl who went out of his way to answer my questions about his art, the Austrian graffiti scene and so much more.


[Fresh Paint Gallery]: Can you introduce yourself? How long have you been part of the Austrian graffiti scene?
[Olivier Hölzl]: I’m half French, half Austrian. I live in Vienna, where I also have my studio… To be honest, I don’t know if I’m really part of the graffiti scene in Vienna, my story is a bit different. I know a lot of graffiti people like Fresh Max, Peter Phobia, Boicut or Busk, they are all very good artists and luckily also good friends of mine. When I was younger, I wasn’t actively involved in the graffiti scene. After high school, I majored in economics and worked in Marketing and Sales for 8 years. Over those sales years, I felt empty and decided to become an artist, which at that point I was thirty, and some of my friends were artists themselves. I was unemployed for a year’s length and drew every day from dawn to dusk. At the time, I wasn’t looking for any feedback and, in that way, I developed my self-esteem. I also started painting and studied at the University of Applied Arts in Vienna (die Angewandte).


[F.P.]: If you don’t know whether you’re really part of Vienna’s graffiti scene, how would you best describe yourself as an artist?
[O.H.]: I developed the stencil technique seeing as painting got a little too one dimensional for me. I had a hard time expressing exactly what I wanted and in Salzburg, I met Dan Perjovschi. He was telling me that he, as a young Romanian artist, never got a chance to travel outside his country as nobody wanted to pay for the insurance or the transport of his artwork. So he found a way to travel and get his message out by putting up political drawings on the walls of exhibition spaces. Flexibility was key for him; he was able to express anything he wanted. Everywhere he goes, all he needs to make a full installation now is an ending-marker. We talked a lot about the flexibility of the stencil technique and I focused on it more and more. That’s what I took from the graffiti scene; the artists are amazingly flexible and the graffiti scene is well organized. You get to some place and you know where to stay, you know where to paint, you meet the local artists. The contemporary gallery scene is way more hierarchical. Young artists have a great waiting period, which is terrible for the creative process. I love to be in between those two scenes as a hybrid. We’re in 2016, people like Brad Downey, Marc Jenkins and the Wa are good examples of new ways of creating art. That doesn’t exclude the fact that I love to use spray can on the streets too, but I travel in countries like Armenia, Georgia, Serbia and Turkey. I like having the people living where I do my pieces involved in the process. I try to get a verbal permission for it to be half legal for me to paint, but there is always some kind of trouble along the way, which makes it exciting.


[F.P.]: One of your first exhibitions took place in 2010 and five years have now gone by. What have been your best memories and favorite exhibition?
[O.H.]: I loved every trip abroad. Recently, I was in Belgrade, which was a great time. I also took part in a project involving the workers at a great experimental Biennale in Turkey. I think the craziest exhibition I did was in Krems (Austria). First, I was just looking for an abandoned house for myself. It was the GPL Contemporary’s gallery owner who found the building I needed for my show. It had 4 floors and was over 2500 square meters. With my friend, Andreas Nader, we decided to invite more artists. Artists Gert Resigner and Anne Sophie Wass were also of great help.


[F.P.]: What are two or three songs that could perfectly depict the universe you find yourself in when creating?
[O.H.]: I love all of Serge Gainsbourg’s songs. It depends on my mood. I also make music myself.


[F.P.]: Today’s street art goes well beyond its traditional roots. Your exhibitions are very tonal, filled with uneven lines and are known to explore the concepts of family, business, religion, war and sexuality. It also seems like repetition is key to your art. What inspires you to create/what’s your vision?
[O.H.]: What inspires me the most is observing what is happening now. I read the news and I use social media. As a matter of fact, the internet itself is my biggest source of inspiration. You can work with a topic without ever having been there. When I was still in University they warned us that web information doesn’t have the same reliability what you find in books. And yes, of course it’s true, but the web is really mind-blowing. You can find thousands of opinions related to one topic. I like to read the comment sections as they show you how frustrated some people are. Then I also sometimes observe myself and how narrow minded my behavior on the net is.
We’re in a data madness era. Instagram is completely insane… within a second you decide if you like it or not on your little screen. And when somebody comes up with what you liked earlier, you only kind of remember it because you couldn’t really process it. People today could do anything but they don’t because they get lost in a wealth of information. So many topics emerge from that, it’s pure inspiration…


[F.P.]: What are the main challenges encountered for an artist working in a city filled with cultural and historical richness?
[O.H.]: It’s a good area to get inspired. Like you said it has so much history, from good to bad. And from good to bad I mean, for example, in 1913, Hitler, Trotsky, Tito, Freud and Stalin all lived in Vienna. Today, the main challenge is that all buildings are historical… but of course there are still many other areas that aren’t as sensitive. Vienna, for graffiti, actually has a good reputation in the sense of being very active. In general, you can say that Vienna is a “Disney World” of art; historical to contemporary.


[F.P.]: Can you tell me a bit about the galleries in Vienna? Are there spaces for alternative art to be easily showcased?
[O.H.]: Quite new here and located in the middle of the Museumsquarter is the Jan Arnold Gallery where conceptual art and street art are combined. Unfortunately, the Inoperable Gallery in Vienna announced that they are now shut down… That was definitely the most ambitious gallery in the city when it comes to street art. However, you definitely have lots of spaces; Rabbit Eye Movement, The SWDZ, The Moe, The Dessous, The Vesch, Das Weisse Haus


[F.P.]: Knowing there are several hundred meters of street art on the banks of the Danube, to what extent do authorities accept graffiti in Vienna? What kind of fines or charges can you get if a police officer arrests you?
[O.H.]: I think at this point, it’s important to differentiate. Many of the murals you see in the world today are part of art festivals, so you get permission to do that. The police, of course, don’t care about this, same with the canal. You can paint there since is permitted by the city of Vienna though tagging is illegal and the police will charge you for that when caught. But that’s what makes the whole excitement of it. I know that the police force also keeps a “vandalism” log. When they think it’s artistically the same guy, they will archive the information in the same folder. If and when the artist gets caught, he’s definitely facing lots of problems, especially financially as they will make him pay for the “cleaning”. The biggest case of this was a Swiss artist called Puber. What was special about Puber was that he literally sprayed the whole city. Before he was arrested, people talked about him. An while most of the time tagging doesn’t positively catch the eye of people who aren’t involved in graffiti, he was an exception. People realized he was all over the city and they were asking who that guy was. When he got arrested, everyone in the arts talked about him.


[F.P.]: How has the country’s war historical context influence the art scene in Vienna? What impact does it have on your personal work?
[O.H.]: The worst about both World Wars, especially WW2, is that the city’s intellect was thrown out or eliminated. At the beginning of the 20th century, Vienna was a hot spot for art. Today, some people have come back but we’re still far from that level… What I love about Vienna though is that I have artist friends from all over the world; they’ll be from Serbia, Croatia, Bosnia, Slovakia, Czech Republic, France, USA, Russian, Italy, Germany, etc.


[F.P.]: What would be needed for the graffiti and street art scenes to exponentially grow? I feel like we hear about Berlin a whole lot, but less of Vienna despite the rich artistic culture.
[O.H.]: I think that both the graffiti and street art scenes are very self-organized with less hierarchy and institutions than the contemporary art scene. Street art and graffiti are no national phenomena. When you travel to different cities you will often find the same artists. Berlin is more into that seeing the structure of the city allows it; it grew out of two systems and became one. Also, there are definitely more abandoned areas than in Vienna. Many people in the United States don’t even know Austria exists.


[F.P.]: Do you have any current shows?
b[O.H.]: I had an opening on January 19 at Bildraum07 in Vienna. The exhibition is called “Forts, Facts and Fabrications”. It’s about castles and in the middle of it — the “castle of the castles”—, French Versailles. Briefly, it’s about melting facts and illusions around the myth of castles altogether. It also shows a castle that was originally built on Minecraft.


© All photos courtesy of Olivier Hölzl.

Olivier Hölzl | Website | FB | IG
Born in Innsbruck (Austria) on April 11 of the year 1979, Olivier Hölzl is a half French, half Austrian artist currently based out of Vienna. Acting upon an intricate desire to fill an inner void, he turns to art after 8 years of Marketing and Sales. Though he always goes by his full name, he created for himself the palindrome LIVIL. A combination of all the Roman numbers, “LIVI” comes from his first name with the ending “L” taking its origins from his family name Hölzl. The last “L” from LIVIL will be flipped for tags as the typo becomes a form. Greatly inspired by the internet in general, Olivier Hölzl tends to explore the concepts of family, business, religion, war and sexuality. Currently showcasing his newest work “Forts, Facts and Fabrications” at Bildraum07 in Vienna, the 36-year-old artist considers himself an artistic hybrid, floating between graffiti and conceptual art, exploiting themes through his own personalized stencil technique, bringing him great flexibility in his creative process.

La sélection Cultiz #011

Au cas où tu ne le savais pas encore, Fresh Paint Gallery s’est associé au webzine français CULTIZ, pour te faire découvrir toujours plus d’artistes et de nouveaux talents. Check ça!


Cultiz01Ce mois-ci on part au Japon, à la découverte de Masashi Wakui. Le photographe amateur parcours sa ville de Tokyo toutes les nuits pour nous offrir des photographies relatant la vie des Tokyotes. Pas de nightlife et wildparty ici, plutôt des images des rues où les néons des enseignes de magasins de reflètent dans la pluie. Voyez par vous-même.


On continue dans la photographie de rues avec Aude Dib, artiste photographe et peintre. Building, montée d’escalier, siège d’autobus, ou encore structure en acier. Tout est objet à être photographié selon Aude Dib. En ce concentrant sur des détails architecturaux qui l’entoure, l’artiste Française nous offre des images colorés, minimalistes et épurées. A voir sur Cultiz!


Retour au Graffiti, avec une intrevue Grems, rappeur, graphiste mais aussi graffiteur. A l’occasion d’un festival d’art Urbain, Cultiz s’est entretenue avec le français pour parler du lien entre son graff et son rap!

Okudart & le Kaos Temple :Le street art au service du patrimoine architectural.

Montréal est une ville où le Street-Art est très présent. Avec les événements qu’elle appuie et organise  tel que les Beaux Dégats, Art Attack, de nombreuses expositions et le festival Under Pressure, la galerie Fresh Paint est un acteur clé dans le street-art à Montréal.  Avec ses valeurs et principes 100 % DI,Y elle donne à la ville son identité propre dans la contre-culture en art visuel.

Ce genre d’implication nécessite de rester à l’affût et de s’intéresser aux autres initiatives qui se réalisent au niveau national et international. Il est intéressant de constater que les valeurs du DIY promes par Fresh Paint sont omniprésentes dans des projets créés ailleurs dans le monde. C’est le cas en Espagne, plus précisément dans la ville de Llanera, ou l’artiste Okudart a littéralement métamorphosé une église ancestrale à l’abandon en  un projet hors-norme qui a donné naissance à un Skate-Park public.

_DSC0847L’église de Santa Barbara fut imaginée par l’architecte Manuel del Busto en 1912. Malheureusement, après quelques années d’utilisation, la bâtisse fut abandonnée. C’est alors qu’un collectif, du nom de Church Brigade est mis sur pied dans le but de restaurer ce lieu sacré pour en faire un skate-park public. Ainsi, après de nombreux efforts et de beaucoup de semelles usées, le Kaos Temple finit par voit le jour! Le collectif a le vent dans les voiles et poursuit le projet en mandatant l’artiste Okudart San Miguel pour confectionner une œuvre à travers tout l’intérieur de l’église pour en bout de ligne en faire un skate-park des plus uniques! En effet, après sept journées de travaux intensifs au rythme de 12 heures par jour l’artiste Madrilène fini par transformer complètement les anciens murs austères et neutre vers des formes géométriques et multicolores.

Ce projet n’aurait jamais pu se réaliser sans les nombreuses initiatives 100% DIY traditionnelles de la Church Brigade et de La Iniciativas Habitat. Effectivement, les organisations ont crû au projet et ont lentement mais sûrement accumulé suffisamment de financement en organisant plusieurs événements bénéfices tels que des concerts, des BBQ et des compétitions de Skate. Par conséquent, l’effort consacré donne une certaine atmosphère à l’endroit quant à la passion pour le skate afin de la transmettre au jeune à travers ce lieu authentique.

Pour l’artiste, il s’agit de son œuvre la plus significative qui à travers cette conquête, a fini par concrétiser un phénomène de street-art des plus contemporain. Lors de sa première visite à la fin de 2014, ce dernier fût frappé par le degré d’implication des membres du collectif et il saisi qu’il fallait faire de cet endroit un lieu de rencontre et d’activités. À partir de cette prémisse, il visualise le parfait complément pour représenter l’esprit du nouvel endroit via une fresque couvrant l’ensemble des murs et des voûtes… Tel l’aurait conçu un architecte à l’époque gothique.

_DSC0787Avant de s’attaquer au Kaos Temple, Okudart San Miguel a peaufiné son style à la fois dans les rues, les chemins de fers et les usines abandonnées de Madrid mais également dans son studio pour finalement aboutir vers un résultat plus personnel.

De manière générale, ses formes géométriques multicolores sont complétés par des corps, des visages et des formes organiques. Aujourd’hui les œuvres d’Okudart sont présentes dans les rues et les galeries partout à travers le monde comme au Brésil, au Chili, aux États-Unis, en Afrique du Sud et en Europe.

En résumé, le Kaos Temple se veut aujourd’hui un skate-park hors de l’ordinaire et la fresque d’Okudart y contribue pour beaucoup. Sans les initiatives collectives, communautaires, et la passion pour le skate-board, le projet aurait difficilement pu se concrétiser. C’est en ce sens que l’artiste Okudart a su aller chercher son inspiration pour réaliser cette œuvre ayant une thématique d’accomplissement et de volonté. À cet effet, même si la démarche artistique d’Okudart est désormais considérée comme étant principalement un hybride qui se situe vers le Pop surréaliste contemporain, il n’en demeure pas moins que son implication du coté du street-art a grandement contribué à ce que les fresques du Kaos Temple cadrent parfaitement avec l’esprit du projet. Comme quoi le street-art n’est pas uniquement une forme d’art mais également une mentalité. De plus, il est intéressant de constater que cette fresque ouvre de nouveaux horizons quand vient le temps de reconsidérer les immeubles du patrimoine pour les adapter à la culture et à l’époque. À cet effet, cela ouvrirait de grande possibilité du coté du Québec…

Photo: Elchino Pomares

Okudart | Instagram | Facebook

Expo | Fletcher & Naylemonstre

So let me introduce you to Fletcher and Naylemonstre. Both artists met at school while studying Illustration and Design. Due to their interest in Fresh Paint Gallery’s past exhibitions, they decided to collaborate on the new one. Fletcher and Naylemonstre fused their respective skills and created a piece of artwork at Art Attack #12.

Fresh Paint: Hello Fletcher and Naylemonstre, why did you choose your pseudonym to be what it is ?
Fletcher – Fletcher was my phone name in a call-center.
Valérie (Naylemonstre) – Back when I was 12 and new to the internet I started writing Zelda fanfictions using Nayru as my username, and it just kinda stuck. Over time it evolved and now it’s more of a reminder to not mind the bad stuff so much and focus.

FP: What inspired you to collaborate and create this immersive art piece at FreshPaint gallery ? Was this the first time you have collaborated on a project ?
We really wanted to work with the FreshPaint gallery because of all the cool exhibitions we had been to in the past. It’s such a community based space and we found it inspiring to see so many diverse artists working together to make something new.  When we chose our room we thought of making something like a party of weirdos. The balloons were the final step to make it silly. We wanted to make people happy and feel like they’re part of the fun. It is our first collaboration but we work beside each other a lot.

FP: Fletcher, I’ve seen on social media the pictures of the artwork you display in the streets. You are creating stickers with a touch of humor. They might enlighten people’s daily life when they bump into it at the corner of a street. When and why did you start sprinkling these in Montréal ?
I started making stickers around 2003. I really liked to draw and a friend had mentioned that stickers are a good medium, cause you can spend a lot of time on them and stick it up quickly. Around 2006-07, I started making really elaborate pieces, often 30-40 stickers/ piece. Those took forever to make so I had limited output. These days I’m focusing more on making signs and putting them around town. It’s fun.


FP: Valérie (Naylemonstre), I’ve heard you’ve been creating black and white sketches for a month while taking over the InkTober challenge. More recently you’ve published a colouring book named QUOLIA. Could you please tell me a bit more about it ?
Inktober was an amazing experience! I first started it on a whim and it was very, very insightful on my own process. Going through 31 days of doing one finished ink drawing daily is pretty intense, but very rewarding, and the community around it was so nice and supportive. I then just happened to find someone who could print books for me, and put together my favorite pieces of inktober along with some new art, and that was it. Quolia is derived from the latin “Qualia”, which is your conscious response to exterior stimuli, and I thought it made sense for a coloring book.

FP: Fletcher and Valerie, which medium would you prefer most ?
Valérie – Photoshop, pencils and acrylic.
Fletcher – India Ink, brushes, gouache, acrylic, Adobe Illustrator, but I definitely prefer working in traditional media.

Facebook: Fletcher | Naylemonstre


Expo | Les Chimères de Zacharie Potvin Williams.


Sa relation à la galerie Fresh Paint est assez récente, et pourtant il y a un peu plus de 6 mois il s’est fait remarqué du public, lors de sa première victoire aux Beaux-Dégats au sein de l’équipe Astred Collective. Sans surprise il a reçu un accueil tout aussi chaleureux, si ce n’est plus, lors de sa première exposition à la galerie Fresh Paint.

Originaire de Farnham, village de la rive sud, Zacharie Potvin Williams (ZPW), grandit entouré de nature et d’art. Sa mère, enseignante en art, encourage son initiation aux arts et aux expérimentations. Du travail de matières naturelles comme les plantes, le bois, à la canette de peinture, rien n’échappe à ZPW. À 12 ans, alors qu’il traine de plus en plus dans Montréal, il découvre la culture street et le graffiti. Pratique, qui va fortement marquer ses années de secondaires. Il profite de la tranquillité de son village natal pour réaliser des murales sous les ponts bordant la rivière. Loin de la cohue de la métropole, il apprend alors à parfaire ses personnages et les détails dans ses graffs. Au secondaire, son intéret pour l’art prend une toute autre dimension, quand soutenu par ses professeurs, il se retrouve à peindre une murale dans son école et à faire les décors d’une pièce de théatre.


C’est assez naturellement qu’il s’oriente alors vers un Bacc en Studio Art à Concordia, où il est toujours. Plus que jamais, depuis son entrée à l’université ZPW expérimente divers médias, celui qui s’intéressait alors au graff et à la nature, s’essaie autant à la sculpture qu’à la sérigraphie. Qu’importe le médium, une certaine influence végétale, organique domine son travail.
Celui qui suit aussi des cours en sexologie, ne s’étonne pas de la présence de formes génitales dans ses travaux. Il a toujours été intéressé par le corps, les relations, et la complexité de la sexualité humaine.

“Ca commence a être assez absurde que tu puisses avoir accès à internet de partout”

Pour sa fresque réalisée à la galerie Fresh Paint, il s’inspire de croquis de biologie. Au lieu de partir avec une idée finale, il a commencé sa fresque avec “période réfractaire”, cet immense dessin, d’un homme en lévitation, se végétalisant. De là, il remonte la chronologie du personnage jusqu’à sa naissance, en se focalisant sur son rapport à l’éléctronique. Alors que “période réfractaire” était d’abord prévue pour un projet sur la dépression, ce portrait de vieil homme, complète et termine à la perfection l’évolution de la vie de ce personnage sur-branché. L’artiste propose son regard sur sa propre génération et son rapport à la technologie. Du téléphone intelligent au casque de réalité virtuelle, il s’inquiéte des effets neurologiques et sociaux que la pratique excessive de ces appareils puisse poser. Avec son personnage final, il dépeint la difficulté de vieillir, de perdre le contrôle. Une réalité pour toutes personnes agées, mais qui pourrait devenir la nôtre, à force de vivre toujours plus dans la technologie. Le personnage de ZPW, peut être perçu comme une sorte de Neo, qui ne différencie plus la réalité de la matrice, et qui à sa mort, regrette finalement de s’être enfermé dans cette fausse vie au lieu d’avoir profité pleinement de la réalité.

“Des fois c’est important que ce soit juste pour s’amuser, ou pour rajouter de la vie dans une rue”

Bien que le message derrière cette murale, soit assez fort et brutal. Zacharie ne s’identifie par comme un artiste politisé. “Si il y a un message à passer c’est bien de le faire, mais je ne veux pas passer un message sur quelque chose qui ne me touche pas, pour une réalité que je ne vis pas”. Après avoir passé son été à peindre sur des immeubles à Montréal, l’artiste a découvert un aspect interactif de l’art, que ce soit avec les habitants, mais aussi en travaillant en collaboration avec d’autres artistes. Ces collaborations, lui ont permis de penser son travail différemment. Il se distance peu à peu de l’approbation des gens, et au lieu de se concentrer sur le résultat final, concentre son travail sur l’expérience, l’exploration et les sentiments. Contrairement à son personnage de “période réfractaire”, ZPW apprend et prend plaisir à ne pas avoir le contrôle de tout “les fois où je m’amuse le plus en peignant, c’est quand je ne pense pas pour qui je vais le faire, et ça va traduire quelque de plus libre et aéré”.

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